«Мир искусства»

«Мир искусства»

Глава 6. «Русские сезоны»

18 мая 1909 года в парижском театре Шатле начался новый Русский сезон. В нем приняли участие балетмейстер Михаил Фокин и артисты императорского балета, в их числе – Анна Павлова, Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. Наряду с оперными спектаклями – с участием Ф. И. Шаляпина шла опера Н. А. Римского-Корсакова «Псковитянка» (под названием «Иван Грозный»), были представлены балеты – «Павильон Армиды», «Жизель» и «Сильфиды» в оформлении А. Н. Бенуа.В дальнейшем Сергей Павлович работал исключительно с балетной антрепризой, спектакли которой прославили русский балет во многих странах мира. В 1913 году антреприза получила название «Русский балет Сергея Дягилева». Спектакли антрепризы стали новым явлением в истории театра. В постановках был осуществлен синтез искусств – музыки, живописи и хореографии, о котором давно мечтали деятели театра. Достижению синтеза способствовали мирискусники – Лев Бакст и Александр Бенуа. Спектакли шли в декорациях и костюмах, созданных, главным образом, этими художниками, что несомненно способствовало триумфальному успеху «Русского балета». Особенную славу как декоратор заслужил Лев Бакст. Созданное им оформление таких спектаклей, как «Шехеразада» на музыку Николая Андреевича Римского-Корсакова, «Послеполуденный отдых фавна» на музыку Клода Дебюсси, «Призрак розы» (в литературе встречается также название «Видение розы»), где была использована романтическая музыка Карла Вебера «Приглашение к танцу» прославили его на весь мир. Современник писал: «Не одни танцы, не одни артисты и не один ансамбль произвели сильное впечатление на французскую публику. Такое же впечатление произвели декорации и костюмы русского балета. Наши художники совершили настоящий переворот в парижских художественных взглядах на значение и смысл декоративной части спектакля».  В оформление балета «Шехеразада» Бакст внес настоящий восточный колорит, передающий атмосферу сказок «Тысячи и одной ночи». Об этом спектакле можно получить представление со слов современника, французского музыкального критика Пьера Лало, который писал, что его захватывает «новизна и великолепие спектакля. Чрезвычайно просто распланированная и сведенная к своим основным элементам декорация, представляет внутренность гарема шаха: нечто вроде огромной палатки зеленого, интенсивного и яркого цвета. Этот зеленый цвет, в одно и то же время ослепительный и выдержанный, необыкновенной силы и богатства.

Л.С. Бакст. Эскиз декорации к балету «Шехеразада» на музыку симфонической поэмы Н.А. Римского-Корсакова для постановки в театре Гранд-опера. Париж. 1910. Музей декоративных искусств, Париж

Л.С. Бакст. Эскиз декорации к балету «Шехеразада» на музыку симфонической поэмы Н.А. Римского-Корсакова для постановки в театре Гранд-опера. Париж. 1910. Музей декоративных искусств, Париж

Никакого другого цвета, или почти никакого. Всего каких-нибудь два-три рисунка персидской орнаментики, черных или оранжево-красных, на этой обширной зеленой поверхности. Пол покрыт оранжевым ковром более бледного оттенка. В глубине сцены видны двери синего, почти черного цвета. Костюмы мужчин и женщин в своем большинстве имеют те же цвета, что и декорации: красные и зеленые разных оттенков. На этом общем цветном фоне играют и сверкают серебро и золото на костюмах влюбленных негров. Кое-где более глубокие оттенки – например, в одежде шаха, в которой господствует темный синий и фиолетовый цвета, что заставляет вспоминать самые прелестные из персидских миниатюр. Все это составляет ансамбль, исполненный удивительной силы и гармонии: это постоянное очарование и ослепление для взора. Бакст, русский художник, который создал эту удивительную картину, скомбинировав краски декораций и костюмов, в самом доле, – большой художник. Удовольствие, полученное от этого зрелища, тем сильнее, что красота его не остается неподвижной и застывшей, но изменяется и движется каждую минуту. Сплетающиеся и расплетающиеся группы танцовщиц и танцовщиков, постоянно новые и изменчивые контрасты и сближения оттенков, образуемые их костюмами, все это движение, колыхание, потоки цветов – скомбинировано и урегулировано с самым изысканным искусством, точным и в то же время смелым».  Восхищался декорацией и товарищ Бакста по «Миру искусства» – Александр Бенуа: «Я никогда еще не видел такой гармонии красок на сцене, такого благозвучного в своей сложности красочного оркестра». Балет «Послеполуденный отдых фавна» переносил зрителя в мифическую Древнюю Грецию. Декорации представляли собою гористый пейзаж, пестрая растительность которого была залита солнцем. Фавн в пятнистой шкуре, с рожками в золотых кудрях – хореографом и исполнителем его роли был Нижинский – с изумительной достоверностью представил фантастического полузверя, с томными и – внезапно резкими – движениями. Костюм фавна остался в истории искусства как поистине легендарный. «Как ни сильно было влияние Бакста /…/, – вспоминал о балете танцовщик и хореограф Сергей Лифарь, – все же настоящим вдохновителем и создателем его был Дягилев: против своей воли Дебюсси дал разрешение воспользоваться его музыкой для балета, – тогда, когда Дягилев хотел чего-нибудь добиться, отказать ему было невозможно. /…/ Первая мысль «Фавна» пришла Дягилеву в Венеции в 1911 году, и он стал показывать Нижинскому угловатые движения фавна; этим не ограничилось участие Дягилева в создании балета: вся композиция балета, начиная от появления нимф, воспроизведения поз танцовщиц в античных вазах, – и до последнего жеста /…/– принадлежит Сергею Павловичу» . Балет представлял собою стилизацию древнегреческой мифической жизни, что было характерно для модерна, когда в искусстве условность сочеталась с конкретностью и достоверностью. Особенно восхитил всех костюм фавна и сам Нижинский в этой роли. Однако смелая по тому времени хореография не всеми была принята.

Л.С. Бакст. Фавн. 1912. Эскиз костюма В.Ф. Нижинского к балету «Послеполуденный отдых фавна» на музыку К. Дебюсси. 1912. Хордфорд. Уотсворд Атенеум

Л.С. Бакст. Фавн. 1912. Эскиз костюма В.Ф. Нижинского к балету «Послеполуденный отдых фавна» на музыку К. Дебюсси. 1912. Хордфорд. Уотсворд Атенеум

Совершенно уникальным в истории театра явился балет «Призрак розы» («Видение розы»), опять же в оформлении Бакста. Постановку, как и «Шехеразаду» осуществил М. М. Фокин. Сюжет балета был прост: молодая девушка возвращается с бала, она в усталой позе опускается в кресло, роняя на пол пышную розу, и засыпает. Зритель видит почти пустую комнату, где между окнами в простенке помещен маленький столик и в глубине сцены – диван. Окна открыты. И вдруг в открытое окно напротив зрительного зала влетает призрак розы – юноша в костюме необыкновенной красоты, созданном из лепестков розы. Роль призрака исполнял Нижинский. Только он мог с такой удивительной грацией представить оживший цветок и в конце пьесы буквально «вылететь» в окно своим знаменитым прыжком, – на секунду задержавшись в воздухе. Это был настоящий триумф «Русского балета». Огромный успех сопровождал также постановку балета Стравинского «Петрушка», осуществленную М. М. Фокиным, в декорациях и костюмах Бенуа.

А.Н. Бенуа. Масленица. 1911. Вариант эскиза декорации первой картины балета И.Ф. Стравинского «Петрушка» для постановки в театре Шатле. Париж. 1911. Зарубежное частное собрание

А.Н. Бенуа. Масленица. 1911. Вариант эскиза декорации первой картины балета И.Ф. Стравинского «Петрушка» для постановки в театре Шатле. Париж. 1911. Зарубежное частное собрание

Сюжет балета возвращает художника к воспоминаниям детства, когда он наблюдал народные праздники на Адмиралтейской площади в Петербурге. Эти давние впечатления помогли ему создать яркие, правдивые эскизы костюмов и декораций. Парижский зритель впервые увидел русский народный праздник на сцене, где пестрая толпа наблюдала балаганное представление. Герой его – Петрушка, страдающий от безответной любви к Балерине, которая предпочла ему черного «арапа» с саблей. Роль страдающего Петрушки выразительно исполнил Вацлав Нижинский. Художники «Мира искусства» участвовали также во многих выставках в России и за рубежом. В мае 1913 года в Лондоне состоялась персональная выставка произведений Бакста, на которой было представлено сто двадцать пять экспонатов, и среди них – картина 1908 года – «Античный ужас» («Terror antiquus»), имевшая огромный успех. В ней, как уже говорилось выше, художник в символической манере создал фантазию на тему гибели Атлантиды, воспринимаемой как пророчество о конце мира.В зарубежный период жизни Бакст работал как театральный декоратор и модельер. Он пользовался особенным успехом как законодатель мод, автор моделей одежды, отмеченных его оригинальным вкусом. Бакст был необыкновенно популярен в художественном мире. Он работал и для антрепризы Дягилева, и для труппы Анны Павловой и Иды Рубинштейн. По причине занятости ему, как и самому Дягилеву, очень редко удавалось побывать в России. Последний приезд состоялся перед первой мировой войной, в 1914 году, когда Бакст был избран действительным членом петербургской Академии художеств . Последней работой Бакста для антрепризы Дягилева было необычайно пышное оформление балета П. И. Чайковского «Спящая красавица» для постановки в Лондоне в 1921 году.В начале 1920-х годов Бакст жил в Америке. В 1923 он читал в разных городах Америки лекции об искусстве костюма и занимался оформлением интерьеров. В 1922–1923 годах он оформил интерьер в доме А. и Дж. Гэрретов в Балтиморе. Фрагменты убранства – оно выполнено в стиле модерн – можно видеть в музее Эвегринхаус, в Балтиморе. В марте 1923 года состоялась выставка произведений Бакста в Чикаго. На выставке была представлена сорок одна работа. В 1924 году Бакст вернулся в Париж. Он умер 27 декабря 1924 года, раньше всех своих друзей-мирискусников.Добужинский покинул Россию в 1924 году. В течение нескольких лет он жил в Литве, а с 1939 года – в Западной Европе и Америке. Работал как иллюстратор и театральный декоратор. Умер художник в Америке, в 1957 году.Интересно отметить, что Сомов, в отличие от других художников «Мира искусства», не писал театральных эскизов, несмотря на то, что его творчество, можно сказать, пронизано театральностью. Известна единственная его работа в этом жанре – занавес для «Свободного театра» в Москве, выполненный в 1913 году. Московский «Свободный театр» был основан Константином Марджановым (Марджанишвили) и просуществовал один сезон. Сомов в эскизе оригинально поместил условные «театральные» персонажи на двух частях задвигающегося занавеса таким образом, что главные действующие лица на первом плане стремятся навстречу друг другу.В самом начале первой мировой войны деятели «Мира искусства» организовали аукцион с продажей художественных произведений в пользу раненых и их семей. Сомов создал специально для этого аукциона вариант картины «Итальянская комедия».В 1919 году в Третьяковской галерее состоялась персональная выставка произведений Сомова, посвященная 50-летию художника.В 1923 году Сомов был отправлен в Америку с выставкой русского искусства, в качестве представителя от петроградских художников. (В начале первой мировой войны Петербург был переименован в Петроград). После завершения работы, связанной с выставкой, Сомов уехал в Париж, где и прожил до конца своих дней. В Америке и Франции он прославился как портретист. Особенную известность получили портреты кисти Сомова – Сергея Васильевича Рахманинова и светской дамы, красавицы Луизы Морган.

К.А. Сомов. Портрет С.В. Рахманинова. 1925. Русский музей, Санкт-Петербург

К.А. Сомов. Портрет С.В. Рахманинова. 1925. Русский музей, Санкт-Петербург

К.А. Сомов. Автопортрет с зеркалом. 1934

К.А. Сомов. Автопортрет с зеркалом. 1934

К.А. Сомов. Портрет Луизы Морган. 1926. Частное собрание

К.А. Сомов. Портрет Луизы Морган. 1926. Частное собрание


В зарубежный период творчества Сомова портреты его работы пользовались большим успехом, как и любимые самим художником «галантные» сценки, которые он продолжал писать в течение всей жизни. Большое место в зарубежном творчестве Сомова занял натюрморт. Один из наиболее интересных – «Автопортрет с зеркалом» 1834 года.Весь внутренний строй картины отличает сильная энергия. Её создаёт, главным образом, яркое красное пятно цветов в вазе на столе и напряжённое лицо самого художника, отражённое в зеркале. Вернее сказать, отражена часть лица, что вносит особую динамику в пространство картины. Флаконы, щётка, часы и другие предметы, лежащие на туалетном столике перед зеркалом, как и уравновешивающий композицию прислонённый к стене зонтик в глубине – раздвигают пространство интерьера. В ряде картин Сомова того времени встречается аналогичная композиция с зеркалами, при помощи которых предметы и фигуры, отсутствующие в картине, включены в её пространство. Этот приём характерен для его искусства зарубежного периода и говорит о творческих исканиях живописца.Его творчество неизменно привлекало внимание коллекционеров. Умер Константин Андреевич Сомов 6 мая 1939 года в Париже.В конце 1912, в 1913 и в начале 1914 года Дягилев приезжал в Россию – Петербург и Москву; он обдумывал проекты новых постановок и искал артистов в свою антрепризу.  Все последующие годы Сергей Павлович работал только за границей.В годы первой мировой войны начались трудности. Композитор И. Ф. Стравинский вспоминал о Дягилеве: «Он, как и я, переживал очень тяжелый период. Война перевернула все его проекты. Большая часть его труппы рассеялась, и он принужден был придумывать новые комбинации, чтобы быть в состоянии продолжать свою деятельность и самому существовать» . Зиму Сергей Павлович провел в Риме, в переговорах с композиторами И. Ф. Стравинским и С. С. Прокофьевым, затем в Женеве организовал балетный сезон в пользу «Красного Креста». С января по май 1916 года «Русский балет» выступал в Америке с «неслыханным триумфом», по словам современников. В дальнейшем труппа выступала в Испании, Португалии, Англии, Монте-Карло, Южной Америке, Париже.«Русский балет С. П. Дягилева» (таково было официальное название антрепризы) распространил свое значение на многие страны и континенты. Гастроли труппы в 1910-х–1920-х годах способствовали созданию русских балетных школ в Западной Европе и Америке.Биограф Дягилева, его друг, знаменитый танцовщик и хореограф Сергей Лифарь сообщает о «множестве грандиозных планов», задуманных Сергеем Павловичем, которые остались невыполненными: «Об этих планах мы узнаем из двух тетрадей Сергея Павловича, находящихся в моем архиве, – пишет С. Лифарь. – Тетради эти очень важны, так как вскрывают всю невидимую даже ближайшим сотрудникам Дягилева его кипучую деятельность; из них видно, насколько Дягилев входил во всякую мелочь текущей работы, обо всем думал, все предвидел, заботился обо всем, что касалось его балета. Но эти же тетради обнаруживают вечно беспокойный, тревожный дух Дягилева, не удовлетворяющийся тем, что приходится давать, и постоянно мечтающий о более грандиозном: осуществляется только часть того, что задумывает Дягилев».  Читателя может заинтересовать вопрос, – кто помогал Дягилеву финансами. У него были различные спонсоры, кроме того, сами спектакли давали немалые сборы. Известно, например, что в 1920-е годы Дягилева финансировала знаменитая законодательница мод Коко Шанель.В 1920-х годах Сергей Павлович увлекся коллекционированием старинных книг и рукописей, преимущественно русских. Он задумал, как сообщает С. Лифарь, – «создание громадного русского книгохранилища в Европе с обширным рукописным отделением, которое отдаленно напоминало бы существующий в России Пушкинский дом и в котором бы сосредоточивалась вся исследовательская работа за границей по изучению русской культуры» . Творческая мысль кипела в этом великом человеке до конца его дней. Дягилев умер в любимой им Венеции 19 августа 1929 года. Он похоронен на венецианском кладбище острова Сан-Микеле. Рядом – могила Стравинского.«Покойный Дягилев был несомненно гениальным человеком. Вот уж кто «avait du genie» (гений). И он сделал необычайно много для той области, /…/которая озаряется подлинным аполлоновым отблеском» , – писал А. Н. Бенуа.Узнав о смерти Сергея Павловича, Н. К. Рерих, живший в Индии, опубликовал статью «Венок Дягилеву», в которой говорил о своем замечательном современнике с восхищением и любовью как об «искреннем рыцаре эволюции и красоты». «Когда вспоминаем личность и труды Дягилева, – писал Рерих, – перед нами встает благороднейший и гигантский итог синтеза. Его широкое понимание, непобедимая личная бодрость и вера в красоту создали прекрасный, незабываемый пример для молодых поколений. Пусть они учатся, как хранить ценности прошлого и как служить для самой созидательной и прекрасной победы будущего. Несказанно радостно вспоминать эпопею Дягилева».  Узнав об устроенной С. Лифарем выставке, посвященной Дягилеву, Рерих откликнулся на это событие статьей, начинавшейся словами: «Сергея Павловича мы любили. Он совершал большое русское дело. Творил широкие пути русского искусства. Все, что делалось, было своевременно и несло славу русского народа далеко по всему свету» . В знак памяти и уважения к Дягилеву французы назвали одну из площадей в Париже его именем.

Лансере и Остроумова-Лебедева после революции остались жить на родине. Лансере в течение нескольких лет работал в Тбилиси. Он был портретистом, иллюстратором, монументалистом. В 1921 году Лансере выполнил заказ на роспись агитпункта Тбилисского вокзала на тему «Владыка мира – рабочий». Работал Лансере и как театральный декоратор, продолжая традиции «Мира искусства». В 1924 году в Малом театре в Москве была осуществлена постановка трагедии Шекспира «Юлий Цезарь» в оформлении Лансере.В 1933 году Лансере переезжает в Москву. Он получил предложение на роспись плафона зала ресторана Казанского вокзала в Москве. Мирискусники – Бенуа, Добужинский и сестра Лансере Зинаида Евгеньевна Серебрякова, тоже художница, работали в 1916–1917 годах над эскизами росписи плафона того же зала. Была задана тема – союз Европы и Азии. В то время эта тема была разработана художниками в аллегорическом, сказочном варианте: «… в небесах должны были плыть друг к другу навстречу Европа на быке и Азия на драконе, окружённые свитой народов и профессий».  В 1930-е годы Лансере решает тему в новом духе – он передал пафос дружного труда различных народов советской страны. Лансере работал также над эскизами росписей для вестибюля Казанского вокзала, над эскизами мозаик для станции метро «Комсомольская» и другими монументально-декоративными проектами.В то же время Лансере занимался и педагогической деятельностью. «Он руководит кафедрой графических дисциплин Московского архитектурного института и одновременно монументальной мастерской Академии художеств в Ленинграде. Как педагог Лансере сочетал широчайшую историко-художественную эрудицию, знание классического и современного искусства (в 1927 году художник был командирован во Францию, где познакомился с состоянием новейшей западной живописи) с огромным, едва ли не уникальным опытом практика. Он стремился привить студентам высокую художественную культуру, призывал к повседневной работе с натуры, доброжелательно и тактично руководил молодыми художниками. «Друг молодёжи» – так назовут Лансере студенты».  Умер Лансере в 1946 году в Москве.Анна Петровна Остроумова-Лебедева была женой известного ученого, Сергея Васильевича Лебедева, изобретшего искусственный каучук. Она не покидала Петербург-Петроград-Ленинград. Пережила тяжелые годы блокады и непрерывно работала, запечатлевая виды Ленинграда. А. П. Остроумова-Лебедева умерла в 1955 году в Ленинграде.Александр Николаевич Бенуа в 1910-х – начале 1920-х годов жил в России. Он продолжил начатую еще в 1905 году работу над иллюстрациями к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник», создал эскизы монументально-декоративных росписей для Казанского вокзала в Москве, которые, однако, не были осуществлены. Но главным делом его жизни был театр.Он выполнил эскизы декораций и костюмов для так называемого «Мольеровского спектакля» в Московском Художественном театре в 1913 и 1914 годах. Тогда были поставлены «Брак поневоле» и «Мнимый больной»; художник был знатоком эпохи Жана-Батиста Мольера – времени правления Людовика XIV – и с удовольствием работал над оформлением этих спектаклей. Такую же творческую радость он испытал и над созданием эскизов для постановки пьесы Карло Гольдони «Слуга двух господ» в Большом драматическом театре в Петрограде в 1920 году.

А.Н. Бенуа. Труффальдино. Эскиз костюма для постановки комедии К. Гольдони «Слуга двух господ» в Большом драматическом театре. Петроград. 1920. Частное собрание, Санкт-Петербург

А.Н. Бенуа. Труффальдино. Эскиз костюма для постановки комедии К. Гольдони «Слуга двух господ» в Большом драматическом театре. Петроград. 1920. Частное собрание, Санкт-Петербург

В 1915 году Бенуа выступил в МХТ не только в качестве художника-декоратора, но и как режиссер-постановщик, создав «Пушкинский спектакль». Спектакль включал три «маленькие трагедии» А. С. Пушкина: «Пир во время чумы», «Каменный гость» и «Моцарт и Сальери». Бенуа сделал акцент не на бытовой стороне, свойственной постановкам МХТ, а на передаче настроения, и ввел, как замечает исследователь, «символические детали», что мы и видим в эскизе декорации к спектаклю «Пир во время чумы». Критика сочла, что «декорации приобрели в спектакле слишком большую самостоятельность» , что не соответствовало задачам театра.В дальнейшем Александр Николаевич работал в Петрограде. В 1919 и 1920 годах он оформил постановки балетов в Мариинском театре – «Жизель», которая в течение многих последующих лет шла в его декорациях Бенуа, «Павильон Армиды» и «Петрушку», а также оперу «Пиковая дама». Бенуа работал для различных театров, оформляя постановки пьес Гольдони, Мольера, Шекспира и многое, многое другое. Его колоссальная занятость кажется непостижимой, особенно если вспомнить, что помимо театра он много работал в книжной графике, писал пейзажи тех мест, где жил в летнее время – виды Крыма и российской деревни. Работал в основанном А. М. Горьким издательстве «Всемирная литература» и в Коллегии по делам музеев и охране памятников, а с 1918 года Бенуа заведовал картинной галереей Эрмитажа. Он был также членом Совета художественного отдела Русского музея и руководил отделом искусства эпохи Возрождения в Академии истории материальной культуры. В это же время он написал ставшую широко известной книгу «Возникновение «Мира искусства», изданную в Ленинграде в 1928 году. Деятельность Александра Николаевича была настолько разнообразной и всеобъемлющей, требующей неиссякаемой энергии, глубоких знаний в области истории искусства, не говоря уже о таланте художника и критика, что в небольшом очерке невозможно охватить все виды творчества, в которых он работал. Поэтому отсылаем уважаемого читателя к монографиям, указанным в списке литературы.Бенуа покинул Советскую Россию в 1926 году. Все последующие годы он жил в Париже, работая, главным образом, для театров – Парижа, Копенгагена, Монте-Карло, а также для антрепризы Дягилева и труппы Иды Рубинштейн. В Париже, Лондоне и других городах прошли выставки произведений Бенуа, начиная с 1926 года и последующие – 1930-е – 1950-е. Последняя выставка состоялась в год смерти художника – 1960. Бенуа оставил огромное наследие как историк искусства, о чём говорилось выше, и как художественный критик. Ещё до революции он сотрудничал в газете «Речь», помещая многочисленные статьи о проблемах искусства, Бенуа продолжал работу как критик и в Париже. Мы можем получить представление об этой стороне его деятельности, если обратимся к изданной в Москве в 1997 году книге, включающей статьи о парижских выставках, воспоминания о жизни в России, о Мариинском театре, об Эрмитаже.   В течение многих лет Бенуа работал над воспоминаниями, в которых рассказал в свойственной ему живой, увлекательной форме о своем детстве, о своей знаменитой семье, о близких ему людях, о путешествиях, о «Мире искусства» и о многом другом. Эти воспоминания составили незабываемую картину жизни большого, насыщенного событиями периода времени, свидетелем которого он был – второй половины XIX и первой половины XX века. Александр Николаевич Бенуа прожил очень долгую жизнь. Он умер в 1960 году, в возрасте девяноста лет, пережив всех своих друзей-мирискусников. Незадолго до своей кончины художник рисовал по воспоминаниям любимые им виды Петергофа, его фонтаны, аллеи и дворцы.

А.Н. Бенуа. Петергоф. Римские фонтаны у Шахматной горы. 1942. Музей семьи Бенуа, Петродворец

А.Н. Бенуа. Петергоф. Римские фонтаны у Шахматной горы. 1942. Музей семьи Бенуа, Петродворец

В нашей благодарной памяти навсегда останется давно ставшее легендой объединение молодых художников-энтузиастов, талантливых, деятельных, обогативших своим многообразным творчеством российскую и мировую культуру, имя которому – «Мир искусства».

Вопросы к 6-й главе: «Русские сезоны»

1.Какие спектакли «Русских сезонов» были осуществлены в Париже в 1909 году?
2. Назовите имя композитора – автора оперы «Князь Игорь».
3.Назовите имя художника – автора знаменитой декорации, на фоне которой исполнялись «Половецкие пляски» из оперы «Князь Игорь».
4.Кто был главным хореографом в антрепризе С. П. Дягилева?
5.Кто был самым прославленным танцовщиком в «Русских сезонах»?
6.Какой художник создал знаменитое оформление балетов «Шехеразада», «Послеполуденный отдых фавна» и «Призрак розы»?
7.Вспомните автора костюмов и декораций к балету «Петрушка».
8.Назовите имя художника – автора костюмов и декораций к балету «Весна священная». Кто был хореографом – постановщиком этого балета?
9.Расскажите о последних работах Л. С. Бакста.
10.Какие работы для МХТ выполнил А. Н. Бенуа в 1910-х – начале 1920-х годов?
11.Когда А. Н. Бенуа покинул Советскую Россию?
12.Кто из художников «Мир искусства» остался на родине?
13.Назовите наиболее известные произведения К. А. Сомова зарубежного периода.
14.Расскажите о работе А. Н. Бенуа за рубежом как художника, критика и автора знаменитых мемуаров.
15.Когда умер А. Н. Бенуа?
16.Когда и где умер С. П. Дягилев?
17.Какое значение для русской и мировой культуры имела деятельность «Мира искусства»?