Материалы

Натюрморт. Методическое пособие по проведению экскурсии

Автор материалов – Наталья Дмитриевна Соколова

Общие замечания

Музейная экскурсия по теме «Натюрморт», предназначенная для учащихся 4–5-х классов общеобразовательной школы, – одна из составляющих экскурсионного цикла «Жанры изобразительного искусства». Изучение жанров живописи, их специфики и содержания необходимо для постижения художественно-образного языка искусства, и по этой причине данный цикл является важной частью музейно-педагогической программы «Здравствуй, музей!», реализуемой Русским музеем.

Цель экскурсии – формирование представления о натюрморте как жанре изобразительного искусства, о его содержании и выразительных средствах.

Задачи экскурсии:
— развивать способность к восприятию художественного образа в произведении изобразительного искусства;
— учить детей более внимательно присматриваться к явлениям окружающей действительности, видеть привычное явление с неожиданной точки зрения;
— пробудить у детей интерес к предметному миру, обратив их внимание на эстетические качества предмета, а также на возможную многозначность предметного образа в произведении изобразительного искусства;
— развивать способность к восприятию формы, фактуры, цвета, тона;
— развивать способность к пониманию художественно-образного языка натюрморта как жанра живописи.

Методика экскурсий, объединенных общей темой «Жанры изобразительного искусства», является однотипной, и ее основные принципы изложены в методическом пособии по проведению экскурсии по теме «Натюрморт». Однако специфика натюрморта, ввиду отсутствия действия, развернутого сюжета (жанровая и историческая картина) или психологической характеристики персонажа (портрет), позволяет подробнее ознакомить детей с элементами художественно-образного языка живописи. По этой причине зрительный ряд экскурсии включает произведения художников разных эпох и творческих индивидуальностей, различные, порою даже контрастные по своей живописной манере и пониманию задач и содержания.
Зрительный ряд

1. Ковш-скобкарь. XIX в.
2. А. Н. Мордвинов. Натюрморт: подрамник, папка и гипсовый барельеф. 1857
3. Ф. П. Толстой. Дурман. 1837
4. И. Ф. Хруцкий. Натюрморт со свечой. Без даты
5. К. А. Коровин. Сирень. 1915
6. Н. Н. Сапунов. Цветы и фарфор. 1912
7. И. И. Машков. Хлебы. Натюрморт. 1912
8. К. С. Петров-Водкин. Скрипка. 1918
9. К. А. Коровин. Портрет Ф. И. Шаляпина. 1911
10. Б. М. Кустодиев. Купчиха. 1915
11. В. Д. Поленов. Больная. Фрагмент. 1879
12. Неизвестный художник. Отражение в зеркале. 2-ая четверть XIX в.

Вступление

В начале экскурсии разъясните значение понятия «жанр» в изобразительном искусстве. С этой целью проведите вступительную беседу.
Искусству живописи присуще необычайное разнообразие тем, сюжетов, мотивов.Сначала – о теме. Тема – понятие достаточно широкое. Она тесно связана с содержанием картины, однако, исключает идею, то есть отношение автора к тому, что изображено на картине. Тема картины подразумевает то, о чем (в широком смысле) рассказывает автор. Например, тему картины П. А. Федотова «Сватовство майора» можно определить, как «жизнь русского купечества середины XIX века» или «проблема брака в русской жизни середины XIX столетия».

Сюжет – понятие более узкое, чем тема. Сюжет означает тот рассказ или действия, которые непосредственно изображены на картине.
Что же такое мотив? Мотив – это предмет изображения. Мотив может быть бессюжетным, не иметь в себе никакого действия, никакого развернутого сюжета. Так вот, в зависимости от мотива изображения картины делятся на жанры.

Если мотивом изображения в картине является природа, то эту картину мы назовем картиной пейзажного жанра, или просто – пейзаж.
Если мотивом изображения является какая-либо конкретная личность (человек), то это – портрет. 
Ну, а натюрморт – это жанр искусства, посвященный предметному (неживому) миру. В переводе с французского «натюрморт» означает «мертвая» или «неживая» натура. Мотивы натюрморта – это окружающие нас предметы и все, бывшее когда-то живым: сорванные цветы, овощи, фрукты, битая дичь и т.п.
Среди жанров изобразительного искусства натюрморт всегда пользовался особой любовью зрителей. Спросите любого из нас, какой картиной хотели бы мы украсить жилую комнату или гостиную, и большинство ответят: картиной с изображением любимых цветов, красивых предметов, ярких экзотических фруктов. Такие картины являются прекрасным украшением среды обитания человека – жилых помещений, залов кафе, ресторанов, гостиных для отдыха.
Однако, как это ни удивительно, участие натюрморта в оформлении интерьера – важная, но далеко не единственная его роль. Он сложен и многогранен. Истолкование предметного образа в натюрморте может быть необычайно разнообразным – от воссоздания зрительного богатства натуры до значения предмета как символа или метафоры.
Побеседуйте о мире вещей, окружающих человека, и постарайтесь в совместной беседе найти ответ на вопрос: почему обыкновенные предметы становятся настолько привлекательными для художника, что их изображение составляет целую область художественного творчества?
Какое значение мы придаем вещам в нашей жизни?
Первое – это функциональная ценность вещей. Они нужны нам в нашей практической жизни. Для этого, собственно говоря, они и созданы человеком. Существует и другая, также значимая для нас мера вещей – материальная. Есть очень дорогие вещи, выполненные из ценных материалов, имеющие большую денежную стоимость. Материальная ценность предмета в жизни многих лю¬дей играет значительную роль. Третье – эстетическая ценность. Мы ценим красоту предмета как такового, а также красоту предмета изображенного. Нам приятно смотреть на красивую вещь, а также на ее изображение в картине.
Казалось бы, это и все. О какой еще ценности, помимо названной, может идти речь?
В следующей части вступительной беседы необходимо дать представление о множестве значений, утвердившихся в нашем сознании в результате осмысления и переживания предметного мира, то есть о многозначности восприятия нами предметного образа.
Представим ситуацию, когда мы расстаемся с предметом – выбрасываем разбитую чашку, теряем книгу или выносим из дома старую мебель. Какие чувства мы испытываем при этом?
Выслушав ответы детей, следует акцентировать их внимание на сложности нашего отношения к предмету:
— нам жаль разбитую чашку, потому что она была очень красива;
— нам жаль разбитую чашку, потому что, покупая ее, мы потратили много денег;
— нам жаль разбитую чашку, потому что она памятна нам: когда мы держали ее в руках, то вспоминали о близком человеке, который ее подарил, о памятном для нас событии.
Особое внимание уделите последнему ответу. Предложите детям привести примеры подобного отношения к предмету из их личного жизненного опыта и сделайте вывод о существовании духовной связи между предметом и человеком. Продолжите беседу в одном из залов народного искусства у витрины с предметами народного быта.

Значит, у вещи есть и другое содержание, – содержание, связанное с жизнью нашей души. Восприятие предмета мы наполняем жизнью наших чувств, мыслей, воспоминаний. Поэтому значимый для нас предмет предстает также хранителем нашей памяти.

Память – понятие многозначное. Когда мы имеем в виду память о событиях или личностях, связанных с историей народов, стран, цивилизаций, мы говорим об исторической памяти. Свидетельством исторической памяти являются подлинные предметы, хранящиеся в музеях. По отношению к ним мы даже употребляем выражение «исторический памятник». Иногда мы говорим – «этнографический памятник». И это – тоже предмет. Им может быть народный костюм, прялка или дымковская игрушка.

И наконец, можно отметить еще одно немаловажное значение предмета в нашей жизни. Что означают, к примеру, такие предметы, как флаг или герб, венчающие здания государственных учреждений? Это предметы-символы, предметы-знаки. Само изображение такого предмета может стать символическим воплощением некой идеи или понятия.

Ковш-скобкарь

Бывает, что вся эта многозначность смыслов может быть заключена в одном отдельно взятом предмете. Яркий пример – крестьянский ковш-скобкарь в форме так любимой в народных сказках птицы-утицы.
Рассмотрите старинный ковш, обратив внимание на риал (дерево), на плавные линии силуэта, на выразительную обобщенность формы (форма ковша не натурально изображает птицу, а лишь вызывает ассоциации с ее образом; это как бы воспоминание о ней).

Ковш-скобкарь. XIX в. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Ковш-скобкарь. XIX в. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Здесь следует предложить детям подумать, какую ценность в наши дни представляет этот предмет; для чего он нужен, если лишен своей основной функции – приносить практическую пользу. Ответ на этот вопрос имеет принципиальное значение: он помогает раскрыть многозначность предмета в нашем восприятии.

Полученные детские ответы можно условно разделить две группы. Первая связана с исторической или этнографической ценностью предмета («этот предмет “рассказывает” нам о жизни прошлых поколений, о том, как жили и какими предметами быта пользовались крестьяне в прошлые времена» («о жизни русских крестьян»)), вторая – с его художественной ценностью («этот предмет очень красив, его можно использовать в постановке натюрморта» или: «многие из предметов народного быта так красивы, что их нужно сохранять ради красоты»).

Обобщив детские ответы, необходимо помочь им увидеть еще одно значение этого предмета, а именно – его способность отражать представление крестьянина о мире, то есть быть своего рода знаком духовной памяти целого народа.

Старинный ковш так выразителен по форме, что кажется живым существом, имеющим душу. И именно как о живом существе говорится о нем в народной загадке: утка в море – хвост на заборе. Что это?

В плавно-певучих очертаниях деревянного ковша нетрудно узнать образ плывущей птицы. Птица-утица, самый распространенный образ в народном искусстве, символизирует единство трех стихий – земли, воды и неба. В нем – отголоски языческих верований, когда в предмете видели не только практический смысл, но и магический, священный. Поэтому и отношение к такому предмету было особое. Сломать, испортить его считалось кощунством. А еще мастером руководило неодолимое стремление к красоте, стремление внести радость в окружающую жизнь, согреть душевным теплом все, к чему прикасалась рука. И потому созданный им предмет хранит теплоту его рук и его души.

Таким образом, создавая, а также воспринимая предмет, мы «оживляем», одухотворяем его, и множество значений, которые мы вкладываем в «мертвую натуру», определяют многообразие содержания натюрморта.

А. Н. Мордвинов. Подрамник, папка и гипсовый барельеф

Беседуя о натюрморте Александра Николаевича Мордвинова «Подрамник, папка и гипсовый барельеф», важно остановить внимание детей на магии иллюзорного изображения: оно завораживает, интригует, развлекает. При этом уместно вспомнить смысл самого слова «изображение»: «изо-образ» («образ-подобие»). В этом во все времена (а особенно в эпоху зарождения жанра) заключалась притягательная сила натюрморта.

А.Н. Мордвинов. Натюрморт: подрамник, папка и гипсовый барельеф. 1857. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

А.Н. Мордвинов. Натюрморт: подрамник, папка и гипсовый барельеф. 1857. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Рассмотрите внимательно натюрморт живописца А. Н. Мордвинова. Натюрморт ли это? Или – реальные вещи, помещенные в пространство, ограниченное рамой картины?.. Кажется, нам трудно ответить на этот вопрос. И если бы мы повстречались с подобным изображением не в музейном зале, а в мастерской художника, то на расстоянии вполне могли бы принять его за реальность. Русский натюрморт начинался в XVIII веке с таких вот «обманок». Художники-живописцы, открывая для себя новые возможности (ведь до этого времени вся живопись в России была только религиозной), разыгрывая зрителя таким забавным образом, утверждали ценность изображения реального. Произведение графа А. Н. Мордвинова – способного художника-дилетанта  – относится к более позднему времени (1836 г.) и отличается от наивных и простодушных «обманок» XVIII века изысканным немногословием и строгой построенностью. Посмотрите, как идеально выстроен натюрморт, как точно уравновешены (но не примитивно симметричны!) серый прямоугольник подрамника, красный прямоугольник папки с рисунками и серый круг гипсового барельефа! И как удивительно эта продуманность сочетается с естественной непринужденностью и впечатлением полной иллюзии настоящих, «живых» предметов!

Мордвинов принадлежит к числу первых русских художников, утверждавших полноправное существование натюрморта в ряду других живописных жанров. Однако трудно заинтересовать тем, что не изображает ни занимательного сюжета (как в исторической картине), ни живых человеческих характеров (как в портрете), ни эффектного природного мотива (как в пейзаже). И поэтому художники шутят, разыгрывают, интригуют: посмотрите, как все поразительно похоже на реальность, ну, совсем как настоящее! А зрители, иной раз даже невольно протягивая руку с желанием потрогать, принимая изображение за реальность, удивлялись, смеялись, развлекались.

Ф. П. Толстой. Дурман
 
Современником А. Н. Мордвинова был Ф. П. Толстой, талантливый скульптор, автор знаменитых барельефов, посвященных войне 1812 года, и живописец. Среди любителей живописи особенно популярны его небольшие натюрморты, исполненные на тонированной (серой) бумаге акварелью с применением белил.
Главное, что следует подчеркнуть, рассматривая акварель Федора Петровича Толстого «Дурман», – внимание художника к форме, стремление изобразить ее как можно более тонко, иногда даже с ботанической точностью (словно фрагмент из гербария). С этой целью рассмотрите внимательно изображение цветка, полюбуйтесь тонкостью его исполнения.

Ф.П. Толстой. Дурман. 1837. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Ф.П. Толстой. Дурман. 1837. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Обратите внимание и на композицию натюрморта. Как всегда у Толстого, она лаконична: выбран минимум объектов для изображения – в данном случае всего лишь один цветок. При этом отметьте: для художника важна не «ученая» точность гербария, а, прежде всего, изысканная красота формы, цвета, что и сообщает произведению подлинную поэтичность и художественность. Если есть возможность, покажите репродукции (или подлинники) других натюрмортов Ф. Толстого и предложит детям еще раз назвать их особенности:
— лаконизм композиции (выбор не более одного-двух объектов для изображения);
— условность нейтрального фона (как правило, это не тронутый краской цвет тонированной бумаги), позволяющая художнику акцентировать внимание зрителя на немногочисленных деталях композиции;
— тонкость исполнения (акварельная краска положена тонкой кистью, маленькими мазками);
— красота выбранных объектов (цветы, ягоды, фрукты, птицы с разноцветным оперением).

Изображенные в натюрмортах Толстого цветы, фрукты и птицы еще сохраняют некоторую иллюзорность «обманок» XVIII столетия. И тем не менее «обманками» их уже не назовешь. Зритель ценит в них не столько «похожесть», сколько тонкость и изящество исполнения, а также их особую, изысканную красоту.

Таким образом, русские художники открывают другую ценность натюрморта – его способность украшать, заставить любоваться зримой красотой вещей, окружающих человека. Такой взгляд на искусство натюрморта уже существовал в западной живописи, и именно он определял ценность этого жанра в представлении зрителей. В России, наряду с Ф. П. Толстым, одним из первых мастеров в этом плане был И. Ф. Хруцкий.

И.Ф. Хруцкий. Натюрморт со свечой. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

И.Ф. Хруцкий. Натюрморт со свечой. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

И. Ф. Хруцкий. Натюрморт со свечой 

Натюрморты Ивана Фомича Хруцкого призваны прежде всего украшать. Они нарядны, декоративны (слово «декорация» в переводе с латинского означает «украшение»). Декоративно-выразительны предметы, выбранные для постановки: ваза с рельефным орнаментом, яркие цветы, налитые соком фрукты; эффектно использованы цвет и боковое освещение, позволяющие показать разнообразие и объемность формы. Кажется даже, что предметы в натюрмортах Хруцкого, всегда расположенные на первом плане, будто выстроены в ряд, и каждый из них словно демонстрирует перед нами свою красоту.

Дети, как правило, рассматривают данный натюрморт И. Ф. Хруцкого с большим интересом. Их привлекает и красота предметов, и мастерство художника в передаче особенностей материала – стекла, металла, керамики и др. Узнавание материала, а также любование формой, цветом и фактурой предметов доставляет им удовольствие. На этом и следует построить процесс восприятия ими натюрморта: пусть дети назовут материал и его свойства и попробуют объяснить, какими средствами художник сумел передать прозрачность стекла, холодный блеск металла, мягкость цветочного лепестка (цвет, тон, цветовой блик и т.п.).

»

К. А. Коровин. Сирень

Необыкновенно красивы натюрморты Константина Алексеевича Коровина, замечательного русского художника конца XIX – начала XX веков. Его многочисленные букеты роз, фиалок, сирени, порою даже не в вазе, а в простой стеклянной банке, покоряют непосредственностью чувства, ощущением живого света и воздуха, насыщенностью и чистотой цвета, энергией густого красочного мазка. Все это вместе рождает в нашей душе чувство красоты и полноты жизни, которую художник умел ценить даже в самых, казалось бы, простых ее проявлениях (букет сирени в стеклянной банке).

К. А. Коровин. Сирень. 1915. Русский музей, Санкт-Петербург

К. А. Коровин. Сирень. 1915. Русский музей, Санкт-Петербург

Восприятие натюрморта «Сирень» К. А. Коровина следует построить по принципу сравнения с натюрмортом И. Ф. Хруцкого. Предложите детям найти различия в композиции, цвете, живописной манере. Как правило, они достаточно успешно справляются с этим заданием, так как видимые различия в индивидуальной манере этих художников очевидны.
1) Композиция:
— у Хруцкого – несколько условная «построенность» (предметы словно выстроены в ряд);
— у Коровина – предметы расположены свободно, словно бы случайно, и вся постановка производит впечатление фрагмента реальности, ограниченного рамой картины.
2) Цвет:
— у Хруцкого – локальный, то есть собственный цвет предмета (виноград – зеленый, цветы – розовые и т.д.) меняется лишь тонально, в зависимости от освещенности (светлее или темнее);
— у Коровина – цвет предмета зависит не только от освещенности, но и от цветовой среды, то есть он рефлексирует – отражает цвет окружающих предметов, неба и др.
3) Красочная фактура:
— у Хруцкого – «гладкая» живопись, исполненная тонкой кистью, и красочный мазок почти неразличим;
— у Коровина – поверхность картины неровная, с ярко выраженными формой и направлением красочного мазка, положенного на холст широкой плоской кистью.

Характеризуя отличительные особенности натюрмортов Хруцкого и Коровина, следует затронуть вопрос о творческой индивидуальности художника, которая в натюрморте проявляется так же ярко, как и в картинах других жанров; она определяется характером, темпераментом художника, а также эстетическими принципами, свойственными искусству определенной эпохи (в данном случае – искусству 1-ой четверти и конца XIX в).

Пожалуй, наиболее ярко различие художественных индивидуальностей К. Коровина и И. Хруцкого проявилось в их отношении к цвету, в связи с чем более подробно остановитесь на цветовой палитре натюрморта «Сирень» К. А. Коровина и покажите цветовую сложность его живописи.

Рассмотрим цветовую гамму фрагмента натюрморта «Сирень» К. А. Коровина. Если сравнить по цвету стеклянную банку, графин и стакан, то можно заметить, что для всех трех главным будет зеленый. Однако и у банки, и у графина, и у стакана зеленый имеет разный оттенок – то холодный, то теплый.

В составе холодного цвета всегда присутствует синий, а в составе теплого – желтый или красный. Очень разнообразна шкала этих оттенков в цвете банки – от глубоких холодных теней до светлого золотистого блика.

Всмотревшись внимательно в тень под листьями сирени, мы заметим ее холодность. И в освещенных местах зеленый не одинаковый: где-то он теплее (желто-зеленый), где-то – холоднее (с оттенком синего).

Живописный натюрморт всегда был и остается в сознании большинства зрителей картиной, главное назначение которой состоит в украшении интерьера. Однако сами художники нередко вкладывают в картины этого жанра гораздо более глубокий смысл. Они понимают многозначность, которую предмет приобретает в нашей мысли о нем, и способны через предметный образ выразить многое – свои переживания, мысли, представления о мире.

»

Н.Н. Сапунов. Цветы и фарфор. 1912. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Н.Н. Сапунов. Цветы и фарфор. 1912. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Н. Н. Сапунов. Цветы и фарфор 

В натюрморте Николая Николаевича Сапунова «Цветы и фарфор» пространство холста прямо-таки переполнено предметами. Здесь и искусственные цветы в великолепной фарфоровой вазе, и сияющая перламутровая раковина, и маленькая статуэтка, изображающая некое восточное божество, и даже коробка затейливой формы, когда-то бывшая уличной шарманкой… Что побудило художника собрать вместе вещи, различные по своему назначению, по времени создания, наконец, по месту своего естественного бытования? Может быть, какая-то особая душевная привязанность к этим предметам объединяет их в единую композицию?.. Художник напоминает нам коллекционера, влюбленного в предмет сам по себе, являющийся для него средоточием многих смыслов: в нем и история, и экзотическая культура, и стиль, и жизнь бывших владельцев – былые страсти, радости, воспоминания… И если бы каждый из них мог говорить, сколько историй, смешных и грустных, коротких и нескончаемо длинных, могли бы они поведать…

«Цветы и фрукты» Н. Н. Сапунова – первый в ряду тех натюрмортов, где многозначность предмета определяет содержание художественного образа. По этой причине особую значимость приобретают вопросы экскурсовода, а именно – их направленность на активизацию фантазии, ассоциативного мышления и творческого воображения детей. Спросите у детей, о чем могут рассказать: фарфоровая ваза; уличная шарманка; перламутровая раковина; восточная статуэтка?

Рассматривая натюрморт, обратите внимание на красоту живописи: мягко мерцает розовая ткань скатерти, разноцветно переливается поверхность перламутровой раковины, ослепительно сверкают блики на фарфоре.

Таким стал натюрморт в начале XX века. Художники будто заново открывают предметный мир. Тихая жизнь вещей звучит в унисон с жизнью человеческой души, отражая сложный мир чувств, мыслей, идей .

В искусстве натюрморта (как и в искусстве вообще) проявляется индивидуальность автора – неповторимое, только ему свойственное отношение к окружающему миру. В натюрморте это отношение выражается через изображение мира вещей. И в этом смысле натюрморт, как и любое художественное творение, автопортретен.

И.И. Машков. Хлебы. Натюрморт. 1912. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

И.И. Машков. Хлебы. Натюрморт. 1912. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Восприятие натюрмортов Ильи Ивановича Машкова («Хлебы») и Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина («Скрипка») постройте по принципу сравнения художественных индивидуальностей. С этой целью предложите детям «увидеть» в каждом из натюрмортов портрет художника (черты его характера, темперамент, даже черты внешности). Проецирование (перенесение) характера художественного образа на образ самого художника помогает ярче почувствовать личность автора через его творение. Кроме того, применение данного приема имеет значение для воспитания такого ценного качества, как эмпатия (понять произведение искусства – значит сопережить художнику). Вероятно, в представлении детей И. И. Машков окажется веселым, добрым, энергичным, а К. С. Петров-Водкин – спокойным, склонным к задумчивости, к размышлениям, поэтичным и т.п.

К.С. Петров-Водкин. Скрипка. 1918. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

К.С. Петров-Водкин. Скрипка. 1918. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Предложите детям придумать собственные названия к этим натюрмортам, в которых бы отражался не столько мотив, сколько настроение, характер художественного образа. Полезен и другой прием – звуковое восприятие зрительного образа, попытка «услышать» натюрморт и описать характер воображаемой мелодии.

В натюрморте Ильи Ивановича Машкова «Хлебы» изображены, казалось бы, самые простые, привычные для нас предметы. Однако само изображение их кажется каким-то необычным, почти сказочным. Впечатление необычности создается и композицией натюрморта (предметов много, их размеры намеренно преувеличены художником, и кажется, что им «тесно» в границах картинной рамы), и цветом, который кажется слишком ярким, сочным. Становится ясно, что художник вкладывает какой-то особый смысл в изображение привычных, знакомых, самых обыкновенных вещей. Видение предмета приближается здесь к символическому. Мелодия натюрморта звучит бодро, мощно, весомо, утверждая ценность хлеба не как продукта, а как основы, сущности и смысла бытия.

В натюрмортах Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина всегда удивляет простота предметов. Их неожиданно мало, и это немногословие позволяет долго удерживать взгляд на каждом из них в отдельности. «Скрипка» – один из самых выразительных натюрмортов художника. По сути, здесь изображен всего лишь один предмет. Однако среда, в которой он существует: окно городской мансарды, уходящие вдаль крыши домов, тишина угасающего вечера и сдержанные, прозрачно чистые краски рождают в душе мелодию – тихую, светлую и чуть-чуть грустную.

К. А. Коровин. Портрет Ф. И. Шаляпина 
Б. М. Кустодиев. Купчиха 
В. Д. Поленов. Больная. Фрагмент
 

Богатые возможности натюрморта в выражении чувств, впечатлений, даже идей настолько очевидны и притягательны для художников, что они охотно используют их и в картинах других жанров. Можно вспомнить множество знаменитых полотен, где мы обнаружим целые фрагменты-натюрморты. Это и «Портрет Ф. И. Шаляпина» кисти К. А. Коровина, и «Купчиха» Б. М. Кустодиева, и этюд В. Д. Поленова «Больная». Ясно, что натюрморт в этих картинах имеет отнюдь не только декоративное значение. Являясь полноправным «персонажем» картины, он помогает художнику раскрыть ее содержание.

Рассматривая вместе с детьми картины Константина Алексеевича Коровина, Бориса Михайловича Кустодиева и Василия Дмитриевича Поленова, постарайтесь соотнести изображенные там натюрморты не только с сюжетом картины, но и, что очень важно, с ее смысловым содержанием. Покажите, как натюрморт эмоционально связан с художественным образом или с идеей произведения.

К. А. Коровин. Портрет Ф. И. Шаляпина. 1911. Русский музей, Санкт-Петербург

К. А. Коровин. Портрет Ф. И. Шаляпина. 1911. Русский музей, Санкт-Петербург

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1915. Русский музей, Санкт-Петербург

Б.М. Кустодиев. Купчиха за чаем. 1915. Русский музей, Санкт-Петербург

В.Д. Поленов. Больная. Фрагмент. 1879. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В.Д. Поленов. Больная. Фрагмент. 1879. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Неизвестный художник. Отражение в зеркале. 2-ая четверть XIX в. Русский музей, Санкт-Петербург

Неизвестный художник. Отражение в зеркале. 2-ая четверть XIX в. Русский музей, Санкт-Петербург

Неизвестный художник. Отражение в зеркале

Зрительный ряд экскурсии завершает натюрморт «Отражение в зеркале» (автор – неизвестный художник 1-ой четверти XIX века). Оригинальность замысла и композиции этого натюрморта помогут экскурсоводу удержать внимание детей и закончить экскурсию ярким, запоминающимся впечатлением. Кроме того, необычный мотив произведения сам по себе утверждает ценность предметного мира в жизни людей (ценность не материальную, но художественную, духовную).

Спросите детей: в чем необычность картины, и какой смысл вкладывает художник в эту оригинальную композицию? Их ответы подскажут Вам, в какой последовательности Вы будете рассматривать мотив и содержание натюрморта.

Картина «Отражение в зеркале» привлекает внимание непривычной для зрителя композицией. Казалось бы, ее персонажами должны быть виднеющиеся в глубине комнаты служанка и госпожа. Между тем они даже не существуют реально в изображаемом пространстве, являясь лишь отражением в зеркале! Зато незатейливые, ничем не примечательные предметы – кусок жемчужно-белой ткани, ножницы, наперсток, игольница и моток ниток занимают весь первый план. Тонко и с любовью написанные, они, безусловно, являются главными «героями» картины. Удостаивали ли вы когда-нибудь столь бескорыстным вниманием (не ради пользы, а ради любования!) подобные предметы в своем доме? И задавались ли когда-нибудь странным вопросом: что происходит с вещами в наше отсутствие? Может быть, в это время они оживают?..

Может, и в самом деле окружающие нас вещи, независимо от наших действий с ними, живут неведомой нам жизнью, существуя в параллельном, никак не соприкасающемся с нашим мире… И только чуткой, умной и тонкой душе художника доступна их «тихая жизнь»…

Заключение

В завершение экскурсии необходимо задать детям вопросы, которые позволят подвести ее итог:
1) Какой жанр изобразительного искусства называется натюрмортом?
2) Что изображает натюрморт?
3) Когда появился натюрморт в русской живописи?
4) Как называются первые русские натюрморты? («Обманки»)
5) Каким, по вашему мнению, должен быть натюрморт? (Красивым, правдивым, выразительным и т.д.)
6) Каким было понимание содержания натюрморта разными художниками и в разные времена?
7) Какое содержание натюрморта ближе всего вашему представлению о нем? 
8) Назовите имя художника, чьи натюрморты ближе всего вашему представлению о картинах этого жанра.
9) Попытайтесь (если у вас есть желание) самостоятельно исполнить натюрморт в любой доступной для вас живописной или графической технике (карандаш, пастель, акварель, гуашь и т.д.).

Тэг: exkursii

«